POP-ART

El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books y objetos culturales «mundanos». El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.
Introducción

El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones. Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaísmo. Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray.

El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos. con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos» ) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.

La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.
AUTORES RECONOCIDOS
*Andy Wharhol

imagen coloreada de Marilyn Monroe realizada por Andy Warhol.

Su arte consiste en la banalización de lo cotidiano mediante la repetición sistemática con procedimiento industrial de imágenes coloreadas a partir de fotografías como las de Marilyn Monroe o Liz Taylor. La publicidad aparece como protagonista de muchas de sus obras tal es así con Coca Cola, sopa de tomate Campbell, etc
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Andy Warhol
(c. 1928-1987), pintor y cineasta estadounidense, líder del movimiento Pop Art . Su verdadero nombre era Andrew Warhola y nació en Pittsburgh, Pennsylvania. Estudió en el Carnegie Institute of Technology. Empezó su carrera como artista comercial en Nueva York. En la década de 1960 atrajo la atención con exposiciones de imágenes sorprendentemente banales, tales como Lata de sopa Campbell (1965, Leo Castelli Gallery, Nueva York) y Botellas de Coca-Cola verdes (1962, Whitney Museum of American Art, Nueva York), o de estrellas famosas como Marilyn Monroe (1962, colección de Mr. y Mrs Burton Tremaine). La importancia de estas imágenes reside en el hecho de que fueran objetos o celebridades cotidianas y que, al ser impresos, podían ser repetidos mecánicamente hasta el infinito.

Warhol siguió una dirección similar en su trabajo cinematográfico experimental, como The Chelsea Girls (1966), un semidocumental de siete horas. Más tarde, filmes más complejos como Lonesome Cowboys (1969) y Trash (1970), están también marcados por la improvisación en el diálogo, la ausencia de trama y el extremado erotismo.

Entre las publicaciones de Warhol se encuentran Mi filosofía de A a B y de B a A (1975) y America (1985), una colección de mordaces fotografías sobre la vida en Estados Unidos. De 1969 hasta su muerte publicó Interview, una revista mensual con artículos ilustrados sobre las celebridades del momento. En 1994 abrió sus puertas en Pennsylvania el museo Andy Warhol, el museo más grande de Estados Unidos dedicado a un solo artista.
*Roy Lichtenstein
Son interpretaciones muy libres, mezcladas con cuadros antiguos y reproducidas a mano con la técnica de puntos de color puro y brillante. Son obras muy grandes, de fácil visualización pero compleja interpretación y que incluso presentan textos en los populares "bocadillos".
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Roy Lichtenstein (1923-1997), pintor estadounidense del Pop Art , artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic. Nació en Nueva York y obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad estatal de Ohio en 1949. Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederick Remington. A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva. Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso . También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado obras en cerámica. En 1993 el Museo Guggenheim de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países.
*Richard Hamilton
Richard Hamilton (1922- ), pintor británico, uno de los iniciadores del Pop Art inglés.

En 1938 comenzó sus estudios de pintura en las Escuelas de la Real Academia de Londres, que se prolongarían hasta 1951. Entre 1941 y 1945 trabajó como delineante técnico, y ya en 1950 realizó su primera exposición en solitario, en la que presentaba una serie de aguafuertes.

El año 1952 fue clave para su trayectoria: comenzó a impartir clases de tipografía y diseño industrial en la Escuela Central de Artes y Oficios, y fundó, junto a Eduardo Paolozzi , Lawrence Alloway y Peter y Alison Smithson , el Independent group , del que fue miembro hasta 1957. Hamilton fue uno de los primeros artistas que se interesaron por la publicidad y por los cómics americanos.

El año 1956 fue otra fecha clave en su carrera: se celebró la exposición “This is tomorrow”, en la Whitechapel Art Gallery de Londres, y fue el propio Hamilton el que organizó la contribución del Independent group para la muestra. Allí presentó su collage ¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos? , una auténtica declaración de principios para el Pop Art inglés. En esta obra se encuentran presentes muchos de los elementos de la cultura trivial americana: una chica de revista, un culturista, un televisor, un emblema de la Ford, un cartel de cómic, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un enorme chupa-chup con la inscripción ‘pop', sostenido por el culturista a modo de raqueta de tenis, todo ello bajo un techo que no es más que el planeta Tierra.

Este collage se convirtió en la imagen programática del Pop Art británico. En él Hamilton muestra su fascinación por ciertos iconos de la opulencia americana, no sin ciertos toques irónicos. Por otro lado, utilizó una técnica típicamente cubista , surrealista y también dadaísta , el collage, plena de sofisticaciones, alusiones a ciertos iconos y ambigüedades.

Para Hamilton fue decisiva la influencia de Marcel Duchamp , al que conoció a través de Nigel Henderson durante sus estudios en la Real Academia de Londres, más incluso que el propio surrealismo o dadaísmo. Duchamp fue el primero en exponer objetos cotidianos, fabricados en serie, en galerías y museos, y Hamilton le rindió su propio homenaje, primero, en 1960 con una versión tipográfica de la Caja verde, y más tarde, entre 1965 y 1966, con una réplica del Gran vidrio . Ese mismo año, en 1966, organizó la exposición retrospectiva “The Almost Complete Works of Marcel Duchamp” en la Tate Gallery de Londres.

Durante las décadas de 1960 y 1970 realizó una serie de ‘productos' según el concepto de ready-made de Duchamp, en los que jugaba sutilmente con la percepción de iconos popularmente reconocidos, a los que otorgaba la categoría de objetos artísticos, resumido todo ello en palabras del propio Duchamp: “¿Qué es exactamente lo que convierte un objeto en obra de arte?”.

A partir de 1968 se suceden las exposiciones y los premios. Ese mismo año y también en 1977, participó en la Documenta IV y VI de Kassel (volvió a participar en la Documenta X en 1997), y en 1970 obtuvo el Premio Internacional Talens. En 1979 se presentó una retrospectiva de su obra en la Tate Gallery de Londres y también en la Kunsthalle de Berna (Suiza). En 2003 se celebró otra retrospectiva de Hamilton en el MACBA de Barcelona, que abarcaba su producción desde 1932 hasta nuestros días, y donde se presentaron unas 180 obras.
*David Hockney
David Hockney nació en 1937 en Bradford (Inglaterra). Entre 1953 y 1957 estudió en el Bradford School of Art. Como objetor de conciencia paso su servicio militar trabajando en un hospital hasta 1959. De 1959 a 1962 estudió en el Royal College of Art de Londres. Allí conoció a R.B.Kitaj y a otros fundadores del Pop Art Inglés, y estudió las pinturas de los expresionistas abstractos americanos. A partir de 1960 comenzó a exhibir sus pinturas en las exposiciones para jóvenes Contemporáneos de la Galería RBA de Londres.En esa época lee las obras completas de Walt Whitman. En 1961 visita New York por primera vez. Da clases en el Maidstone College of Art en 1962. En 1963 viaja a Egipto y a Los Angeles, donde conoce a Henry Geldzarhler, a Andy Warhol y a Dennis Hopper. En esta época realiza su primer cuadro sobre duchas (showers). Entre 1963 y 1964 da clases en la Universidad de Lowa. En 1964 se traslada a vivir a Los Angeles , donde pinta su primer libro de piscinas (swimmming-pool) y realiza sus primeras Polaroids. En 1967 viaja a Italia y a Francia y en 1968 a Alemania e Irlanda. En 1970 se realiza una retrospectiva de su obra en Londres, que posteriormente se muestra en Hanover y Rotterdam. Entre 1973 y 1975 vive en París. Una exposición de sus obras se lleva a cabo en esta ciudad en 1974 en el Musée des Atrs Décoratifs. En 1975 diseñó los decorados para la ópera de Igor Stravinsky "The Rake´s Progress". En 1976 regresa a Los Angeles y trabaja intensamente con fotografías. En 1978 diseña los decorados para la öpera "La flauta mágica" de Mozart, obra representada en el Glynderbourner Festival, y en 1980 desarrolla un programa para la Metropolitan Opera con obras de Satie, Poulenc, Ravel, y stravinsky. En 1981 viaja a China, viaje del que escribe un diario (China Diary), publicado posteriormente por la editorial Americana Thames and Hudson. Ha realizado cubiertas para las revista Vogue en 1984 y 1985.Es considerado mundialmente como uno de los pintores más representativos del Pop Art. Sus obras se encuentran en los museos de arte contemporáneo más prestigiosos del mundo.
*George Segal
Escultor estadounidense, famoso por sus obras figurativas, realizadas a tamaño natural en yeso blanco. Nació en Nueva York, y en la década de 1950 trabajó primero como pintor, iniciándose como escultor después de 1960. Sus moldes en yeso, creados directamente a partir de vaciados de personas, están instalados en entornos cotidianos, como ascensores, oficinas de venta de billetes, cafés o autobuses, cubiertos con objetos y accesorios que proceden de depósitos de chatarra. Sus figuras blancas con un acabado tosco o incompleto, de formas vagas e imprecisas, crean un ambiente de desolación o misterio. Su afición a incluir objetos de uso cotidiano en sus escenas triviales, como accesorios de baño y una navaja de rasurado en Mujer afeitándose una pierna (1963, Colección Mayer, Winnetka, Illinois), han hecho que algunos críticos lo clasifiquen como un artista pop, pero su trabajo, por la comunicación de los sentimientos melancólicos que transmite, va más allá de la impersonalidad del Pop Art.

*Claes Oldenburg
Escultor estadounidense, pionero del Pop Art. Nació en Estocolmo, donde su padre estaba destinado como diplomático. Entre 1960 y 1965 Oldenburg llevó a cabo cierto número de happenings, entre los que destaca Autobodys (1964, Los Ángeles), que incluía automóviles, multitudes de gente y grandes cantidades de cubos de hielo dentro de un acontecimiento artístico donde el público quedaba implicado y se le hacía partícipe. Los accesorios toscamente pintados que utilizó en estos actos constituyen la base de su futura escultura. En 1961 abrió una tienda en Nueva York donde vendía reproducciones en escayola de hamburguesas, sandwiches, pasteles y otros tipos de comida rápida. Más tarde construyó nuevas versiones de estos objetos a escala gigantesca realizados con vinilo relleno de espuma de caucho. Continuó utilizando estos materiales blandos, sobre todo el vinilo y las lonas en sus series de objetos escultóricos posteriores como accesorios de cuarto de baño, ventiladores y máquinas de escribir. Estas obras, llamadas esculturas blandas, transforman el objeto de uso cotidiano gracias al cambio de escala y de material (vinilo, fibra de vidrio, yeso, plásticos…), pero a su vez, trastoca el concepto de escultura tradicional que consistía en encerrar la forma en un material rígido. Entre sus obras más famosas destaca la Máquina de escribir blanda (1963), su gigante Pinza para la ropa (1976) y el Ratón geométrico.